30 septiembre + 1-2 octubre  20:30h 
<<danza>> ESTRENO VALÈNCIA

NÓMADA DANZA (Canarias)

interpretación ROBERTO TORRES
dirección y coreografía CARMEN WERNER
diseño iluminación DANIEL ABREU

imagen Élida Dorta . producción Marliuz Borges . coproducción Compañía Nómada y Teatro Victoria

Para regalo es una pieza creada por Carmen Werner para su compañero y amigo Roberto Torres. 
Carmen Werner y Roberto Torres han mantenido una estrecha relación artística y profesional desde hace años, con una proximidad física y de ideas en la creación de actividades tanto pedagógicas como de trabajos para la escena, y que ahora han dado como fruto un nuevo trabajo en común.

"Conocí una vez a un hombre que su único afán era encontrar el regalo perfecto, se esmeraba en preparar en su mente como seria el envoltorio, como reaccionaria la persona al verlo, donde lo pondría. Pero no se daba cuenta de lo que a él mismo le estaba pasando o no quería perder el tiempo reconociendo sus dolores, sus angustias ni sus miedos era feliz así, preparando su regalo, evitando vivir su realidad. Yo nunca se lo conté ¡qué difícil es decir la verdad¡" Carmen Werner

Tintes cómicos o un fondo burlesco son elementos que hemos visto aparecer muchas veces a lo largo de la carrera de la creadora madrileña, pero últimamente estos elementos afloran exigiendo más protagonismo que nunca.
Por su parte el fundador del TEATRO VICTORIA de Tenerife Roberto Torres, tiene una larga y experimentada carrera que lo ha llevado por teatros y auditorios de la península, América y guarda una estrecha colaboración con el continente Africano. Como agente cultural ha colaborado seriamente para poner las Islas Canarias en el mapa geográfico de la cultura escénica contemporánea programando algunas de las propuestas más interesantes e innovadoras del panorama español y siendo un espacio disponible para la maravillosa cantera de la que gozan en el archipiélago. Como creador, Torres comenzó su formación en teatro en Barcelona para ir llevando su talento a una expresividad cada vez más física que le hizo desembocar en la danza. Su trayectoria artística ha sido reconocida con diferentes premios, entre los que destacan el PREMIO NACIONAL DE DANZA 2007, el PREMIO INTERNACIONAL DE DANZA ONASSIS y el PREMIO DE CULTURA EN LA SECCIÓN DE DANZA DE LA COMUNIDAD DE MADRID.

En el 2000 crea la Compañía Nómada y realiza trabajos como Viaje a Ras de Sueño, Homo, Intramuros, Suite Nómada, velada de música y danza, Paisajes de la Memoria, Que corra el aire, Los zuecos van hacia sus buenos hábitos y por ultimo Tabula rasa. En la actualidad compagina la docencia con la creación de espectáculos, su formación como actor y bailarín y la dirección del Teatro Victoria en Santa Cruz de Tenerife que crea en el año 1999. Este Centro de Artes Escénicas está dedicado tanto a la docencia como a la creación y exhibición de espectáculos, con una programación anual de danza y teatro estable, destacando los Festivales de Danza Canarios Dentro y Fuera, Teatro Contemporáneo Encuentros y la Extensión del Certamen Coreográfico Internacional MASDANZA Tenerife.

Carmen Werner nace en Madrid, es Licenciada en Educación Física por la Universidad Politécnica de Madrid. Estudia Danza Clásica y Contemporánea en Madrid, Barcelona y Londres. Desde que creara en 1987 su propia compañía, Provisional Danza, ha puesto en escena más de 60 coreografías: trabajos de sala (de pequeño y gran formato, incluida una ópera-danza), trabajos de calle, vídeo-danzas, un cortometraje, colaboraciones para otras compañías, encargos especiales para distintos festivales y teatros, además de impartir clases y talleres coreográficos.

5-6 y 8-9 octubre  20:30h
<<teatro>> ESTRENO ABSOLUTO
//RESIDENCIAS CARME TEATRE 2016//

TÁBULA RASA (València)

intérpretes MARÍA MUÑOZ, ROMÁN MÉNDEZ, SILVIA VALERO y BORJA LÓPEZ

texto y dirección MARINO MUÑOZ

ayudante dirección LAURA ROMERO
espacio escénico y escenografía Luis Crespo
vestuario Sara Sanchís
iluminación Ximo Rojo
diseño cartel Nacho Skywalker

Oscar, Leo, David y Clara van a pasar un fin de semana a una casa en la montaña. Es invierno y hay una tormenta de nieve acechando en el horizonte. Están aislados y lejos de la civilización. Todo parece ir bien pero una noticia inesperada cambiará el curso de los acontecimientos.
Un espectáculo comprometido que denuncia los casos de acoso y crímenes de odio por LGTBI-fobia.
Una exposición sin tapujos de la condición humana en el mundo actual, que pretende hacer llegar al espectador, la necesidad de construir una sociedad libre y tolerante que defienda los derechos humanos y apueste por la diversidad.

Tabula Rasa es un colectivo artístico que se consolida en el año 2011 y que nace con la voluntad de crear un espacio de trabajo en donde desarrollar las inquietudes artísticas de sus componentes. Sus trabajos han sido presentados en festivales como Russafa Escénica, como es el caso de los espectáculos Perfiles y De Títulos, y Cabanyal Íntim, en dónde se presentó la pieza Un Ancora al Cor.
También hay que destacar las coproducciones con la compañía de teatro Wichita, como es el caso de Ya no vestiré más el rojo en la España azul, Pariremos la Tierra y Nosotros no nos mataremos con pistolas, pieza con la que se obtuvo los premios AAPV a la mejor actriz 2015 Silvia Valero, al mejor actor 2015 Bruno Tamarit y a la mejor actriz revelación 2015 Lara Salvador. Además este último espectáculo fue finalista en los PREMIOS MAX 2015 en las categorías de Mejor Obra Revelación y Mejor autoría revelación, obteniendo su autor y director, Víctor Sánchez Rodríguez, este último premio.
La línea de trabajo de Tabula Rasa ha sido producir espectáculos de diferente formato en donde poder dar cabida a las inquietudes artísticas de sus componentes, todos ellos formados en la ESAD de València, con una apuesta por los nuevos lenguajes escénicos, espectáculos de creación colectiva y de autores contemporáneos.  En el caso de La Isla del Hombre Lagarto, Tabula Rasa lleva a escena el manuscrito de uno de sus componentes Marino Muñoz, un texto actual, reflejo de nuestra sociedad y que no dejará indiferente al espectador.

//RESIDENCIAS CARME TEATRE 2016//

7 octubre 20:30h
música <en colaboración con CEDSALA>

Marta Campos, habanera de nacimiento, guitarrista y compositora, es una de las principales referencias femeninas de la Nueva Trova Cubana.
Su propuesta musical se nutre de la diversidad y riqueza musical cubana y sus diferentes géneros.
Su cubanía contagiosa y cómplice es capaz de convertir su guitarra, su voz y sus gestos en la esencia de la comunicación sin fronteras.
Ha compartido escenarios con importantes figuras de la trova y la canción cubana como Silvio Rodríguez, Pablo Milanes, Sara González,… y muchos otros trovadores, también de la nueva canción en España, Nicaragua, México, Chile y Argentina.
Hasta la fecha, ha publicado cinco discos en solitario y ha colaborado en múltiples recopilatorios y antologías.
CEDSALA, Centro de documentación y solidaridad con América Latina y África, nos trae a Carme Teatre este concierto lleno de magia y son isleño.

ENTRADA ÚNICA 8 €

11-12 octubre  20:30h 
<<danza>> ESTRENO VALÈNCIA
Circuito Iberoamericano Red

PHYSICAL MOMENTUM PROJECT (México)

creación y dirección FRANCISCO CÓRDOVA AZUELA
intérpretes FRANCISCO CÓRDOVA, ALFONSO LÓPEZ, LUIS VALLEJO, CARLOS ZAMORA

Escenografía Judith Colomer . Reconstrucción México Héctor Lara . Asesor de escena Claudia Lavista, Judith Tellez, Roberto Olivan y Lali Ayguade . Diseño Sonoro Omar Córdova (Proceso1)/Manuel Estrella (Proceso 2) . Asesor dramaturgia José Alberto Gallardo .
Promotor Cultural UE Bernabé Rubio / Rotativa Performing Arts

<<Obra acreedora al Encuentro de Artes Escénicas ENARTES del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. México 2016

Obra realizada a través del Programa Jóvenes Creadores 2013 - 2014 y obra apoyada por las residencias Artísticas en el C.C Barceloneta y San Martí (BCN)>>

En Tercera Persona es una propuesta escénica que exterioriza las variables filosóficas de nuestra identidad. Hablar de uno mismo a través de la mirada del otro. La otredad como demonización y  deshumanización de quienes somos como individuos.

“El infierno es la mirada del otro, pues esos “otros” somos nosotros mismos." SARTRE

Francisco Córdova Azuela (México 1986)

Máster de Estudios Teatrales y dirección escénica en el Institut del Teatre y Máster en Iluminación escénica en Barcelona, España. Realiza estudios en Montreal, Canadá con la Compañía Le Jeune Ballet du Québec y en la Ciudad de New York, E.U con Ballet Hispánico de NY. Licenciado en Danza Contemporánea de la Escuela Nacional de Danza (ENDCC) en México.

Es director de la compañía Physical Momentum Project - Scenic Action y director del programa de entrenamiento Técnicas de Movimiento México y Barcelona. Desde el 2006 desarrolla su propuesta metodológica Cuerpo-Acción/Movimiento-Relación y La Acción Física como Construcción Escénica, con los cuales ha impartido múltiples talleres en compañías, festivales y centros artísticos internacionales en Europa y Latinoamérica.

Ha sido acreedor a diversos reconocimientos, residencias y subvenciones artísticas. Considerado en el 2012 por la prensa como uno de los 7 nuevos creadores emergentes y jóvenes promesas como director artístico. En 2014 y 2015 es calificado como uno de los bailarines más representativos de la nueva danza mexicana. En su trayectoria internacional, es citado como uno de los jóvenes precursores de nuevas tendencias y rupturas del entrenamiento para el intérprete escénico. Ha sido integrante de diversas compañías y proyectos escénicos a lo largo de 12 años.

​Durante su carrera se ha desarrollado como intérprete, coreógrafo, iluminador y pedagogo; participando en encuentros y festivales de México, Estados Unidos, Canadá, Brasil, Colombia, Ecuador, Costa Rica, España, Italia, Francia, Rep. Checa, Irlanda, Bélgica, Croacia y Alemania.

Physical Momentum Project es la plataforma escénica e identificación artística de Francisco Córdova Azuela. La compañía creada en el año 2007 construye y proyecta su identidad en la experiencia del lenguaje teatral y dancístico. En el 2016 la compañía conmemora 9 años de labor escénica exponiendo su trabajo en foros internacionales, en encuentros y festivales de danza y teatro. Actualmente la compañía reside entre Barcelona y Ciudad de México.

21-22-23 octubre  20:30h 
<<danza performance>> ESTRENO VALÈNCIA

SOCIETAT DOCTOR ALONSO (Cataluña)

dirección y dramaturgia TOMÀS ARAGAY
coreografía SOFIA ASENCIO
creación e interpretación SOFIA ASENCIO y NAZARIO DÍAZ

Espacio escénico e iluminación CUBE. SZ . Producción ejectutiva Imma Bobé .
Coproducción Societat Doctor Alonso, Temporada Alta 2015 y Festival Alt de Vigo.

Este trabajo quiere generar un repertorio de iconografías del cuerpo humano y, al mismo tiempo, trabajar con el sonido y la escenografía como símbolos del paisaje.
Andrei Rublev toma como punto de partida y título la película de Andrei Tarkovsky rodada en 1966, donde el pintor iconoclasta Andrei Rublev (1360-1427) realiza un largo viaje en la Rusia medieval para pintar los frescos de la catedral de la Asunción del Kremlin. La obra del singular pintor, con su estilo iconográfico único, provoca en el espectador un impacto y recogimiento interior debido al uso de la perspectiva invertida, que nos habla del arte no como un retrato de la realidad sino como una realidad entre las realidades.

La Societat Doctor Alonso, dirigida por Tomas Aragay (director de teatro y dramaturgo) y Sofia Asencio (bailarina y coreógrafa) ha construido un lenguaje que encuentra una de sus claves fundamentales en el concepto del desplazamiento. De situar algo fuera de su lugar, ámbito o espacio propio, para indagar como este desplazamiento modifica el lenguaje tanto en cuanto a su gramática constitutiva cómo en cuanto a la lectura que un observador puede hacer: desplazar para desvelar algo. Esta maniobra de desplazamiento se ha revelado como una herramienta eficaz para generar espacios de discurso poético que pongan en cuestión el estatus quo de nuestra comprensión de la realidad.

28-29-30 octubre  20:30h 
<<danza>> ESTRENO VALÈNCIA



CIA. DANIEL ABREU (Madrid)

idea y dirección DANIEL ABREU

interpretación y creación ANUSKA ALONSO, DÁCIL GONZÁLEZ y TERESA LORENZO

Textos y material coreográfico Anuska Alonso, Dácil González, Teresa Lorenzo y Daniel Abreu . Espacio escénico e iluminación Daniel Abreu .Fotografía Yassiek.

En un vaivén entre el discurso coreográfico y el teatral, la pieza del PREMIO NACIONAL DE DANZA 2014, se compone de cuadros vitales que presentan una realidad entre el exceso y la carencia. Figuras que nos trasmiten la necesidad de afecto, la necesidad de ser importante, lo que supone estar solo o acompañado... Enmarcado en un plano completamente estético y contado por mujeres, la obra muestra fotografías de lo que somos capaces de hacer por sentirnos en paz, tranquilos y en equilibrio.

Natural de Tenerife, Daniel Abreu es bailarín, coreógrafo y director de su propia compañía que nace en el año 2004. Ha trabajado como intérprete en varias compañías de danza y teatro de España, así como varias colaboraciones como intérprete y asistente de creación. Junto al Premio Nacional de Danza ha cosechado otros como: Premio a la Mejor Dirección en el INDIFESTIVAL 2010/Premio del Jurado del XVIII Certamen Coreográfico de Madrid/ Premio a un Bailarín Sobresaliente en el XVIII Certamen Coreográfico de Madrid/ Premio al Bailarín Más Destacado del IV Certamen Coreográfico de Maspalomas.
Ha realizado más de cuarenta trabajos coreográficos que han sido presentados en numerables países de Europa, Asia, América Central y del Sur. Además ha realizado coreografías de encargo para la Zagreb Dance Company (Croatia, 2013), Proyecto Titoyaya (Valencia, 2010), Zawirowania Dance Theater Company (Polonia, 2010), Cía. de Danza Nómadas (Tenerife, 2007, 2009 y 2013),  Festival En Pe de Pedra (Santiago de Compostela, 2006) entre otros.
Varios de sus trabajos han sido seleccionados para el Circuito de la Red de Teatros Alternativos en los últimos años y además "Perro" y “Equilibrio” han estado en Aerowaves 2009 y 2011. En el año 2010 entra a formar parte del programa europeo Modul Dance.

Anuska Alonso nace en Vigo, donde termina sus estudios de danza clásica y contemporánea, en coreografía e interpretación del Conservatorio Superior María de Ávila (Madrid). Ha trabajado entre otros para Losdedae, Q-Project y 10&10 Danza. Desde el 2006 trabaja como intérprete para la Cía. Daniel Abreu. Ha ganado el Primer Premio de coreografía en el Certamen Coreográfico de Carmen Senra.

Dácil González, natural de Las Palmas de Gran Canaria, realiza los Estudios superiores de danza en la especialidad de coreografía y técnicas de interpretación de la danza. Desde 1998 ha trabajado para la Cía. 10 &10 Danza dirigida por Mónica Runde y Pedro Berdäyes, el Staatstheater Darmstadt dirigida por Mei Hong Lin (Darmstadt, Alemania), La Piel Danza (Madrid), la Compañía de Teatro Els Visitants (Castellón) y la Compañía Arrieritos (Madrid), entre otras. Funda en 2009 la compañía LA. Otra Compañía Danza junto a Jesús Caramés y Gustavo Martín. Forma parte de la Cía. Daniel Abreu desde 2009.

Teresa Lorenzo, natural de La Palma es Técnico Superior de Audiovisuales, bailarina y profesora de danza contemporánea. Ha trabajado para compañías como Nómada Danza y ha formado parte de Tenerife Danza-Lab del Auditorio de Tenerife como bailarina y creadora de algunos trabajos de carácter experimental con otros colectivos. A partir de los estudios Lo Natural es Moverse de Carmelo Salazar, ha creado varios trabajos y junto a Élida Dorta los dúos Sin compromiso y Que quede entre tu y yo. Su trabajo Llámalo como quieras, es ganador del Tercer Premio del Festival Internacional Masdanza 2009 donde además recibe el premio a La Bailarina Canaria Más Destacada del Certamen.

3-4 noviembre  20:30h 
<<danza>> ESTRENO VALÈNCIA
Circuito Red Salas Alternativas



CIA. CIELO RASO (País Vasco)

dirección IGOR CALONGE

intérpretes JAVIER FERRER, NEKANE MENDIZABAL, GORKA GURRUTXAGA

ayudante de dirección GABRIEL F.

Diseño Iluminación Pedro Fresneda y Raquel Hernández . Dirección técnica Cristina Libertad Bolívar . Producción Beatriz Churruca . Fotografía Gabriel F.

Colabora Teatro Ensalle . Dantzagunea . Gazteszena Egia K.E . Espace Culturel Mendi Zolan . Donostia Kultura
Coproducción Festival BAD Bilbao 2015
Subvenciona Gobierno Vasco/Eusko Jaurlaritza (consolidación de compañías 2014-2015) . DSS2016 (Mugalariak)

Delicado, frágil, brutal. Tormenta expresa de nuestro cuerpo, dos extremos, la fuerza y la debilidad. Y del ser humano, la obstinación, la resistencia, la necesidad, y el abrazo. Una mirada pura a la capacidad de trascender a la palabra desde el cuerpo.

Con un marcado estilo propio, un sello que hace identificables sus espectáculos y un material físico genuino que parte de la búsqueda de un lenguaje propio, la Cía. Cielo rasO, dirigida por Igor Calonge, se ha consolidado dentro del panorama nacional de la creación contemporánea. En todas sus producciones se crea un ambiente atrayente, que engancha al espectador, manejando de manera cómoda un lenguaje narrativo cercano al cine y una fisicalidad que destaca por su calidad técnica.
Desde 2010 la cía. cuenta con la Ayuda a Producción de Obras de Danza del Departamento de Cultura del Gobierno Vasco y la Ayuda en Gira del Instituto Etxepare. También se incluye en el programa de Consolidación de Compañías de Danza del Gobierno Vasco 2014-2015, y fue seleccionada por La Fundación Donostia/San Sebastian Capital Europea de la Cultura 2016, junto con Donostia Kultura, en colaboración con Théâtre des Chimères y con el apoyo de la EuroRegión Aquitania-Euskadi, para formar parte del programa Mugalariak (2.0).
Más allá de las producciones, la cía. realiza también un programa contínuo de apoyo a profesionales de Danza ofreciendo formación gratuita a profesionales y aficionados, durante todo el año y talleres con destacados profesionales del panorama nacional.
Los espectáculos de Cía. Cielo rasO han sido seleccionados para el Circuito de Red de Salas Alternativas de España 2014 (Karaoke), Danza a Escena 2014 (Fácil), Catálogo Platea 2013 y 2014 (Fácil y Karaoke), dFERIA 2013, 2014, 2015 y 2016 (Fácil, Karaoke, Pereza y Tormenta) y en diferentes Festivales nacionales y europeos.

duración: 50 min.

5 noviembre  20:30h 
<<danza>> ESTRENO VALÈNCIA



LA PHÁRMACO (Madrid)

coreografía e interpretación LUZ ARCAS
dirección y dramaturgia LUZ ARCAS y ABRAHAM GRAGERA

Composición e interpretación musical Carlos González . Iluminación Jorge Colomer . Diseño de vestuario Heridadegato . Escenografía Ana Montes y Xosé Saqués . Fotografía Javier Suárez . Vídeo Virginia Rota . Diseño gráfico Brigada Estudio . Prensa y comunicación Cultproject . Directora de producción y distribución Sofía Manrique
Colaboran Centro de Danza Canal . Comunidad de Madrid . INAEM

El 26 de mayo de 1828 apareció en una plaza de Nuremberg un extraño joven que apenas lograba mantenerse en pie. Llevaba una carta anónima, que daba algunos datos contradictorios sobre su procedencia y dejaba su suerte en manos de quien lo encontrara. Kaspar Hauser fue acogido enseguida en la ciudad, y en todo el país, como un experimento social, político y filosófico. A las seis semanas hablaba con cierta fluidez, podía leer y escribir. Se supo por él mismo que había vivido, hasta el momento, en un calabozo, que dormía sobre  un colchón de paja, que no había sonidos pero sí un caballo de madera con el que jugaba, y que le traían el alimento por la noche (pan y agua, en ocasiones aderezado con opio). Contaba cómo pocos días antes de su liberación, “el hombre con el que siempre había estado“, le enseñó a escribir su nombre y a decir las frases que repetía cuando fue encontrado (“un jinete como mi padre quiero” y “caballo, caballo“). Hasta este momento no había visto a ningún ser humano. Los médicos decretaron que no era un loco ni sufría más retraso que el que le había provocado el aislamiento. Su proceso de aprendizaje estuvo tutorizado fundamentalmente por Anselm von Feuerbach, que dejó testimonio de su peculiar inteligencia: con una sensibilidad especial para la pintura y la equitación, apasionado por la lectura y la música, Kaspar nunca resolvió quién se encontraba al otro lado de los espejos, tampoco logró asimilar la idea del Dios único, le repelían las imágenes cristianas y odiaba el latín, no diferenciaba los acontecimientos soñados de los vividos y atribuía voluntad a todos los seres inanimados. Feuerbach sospechaba que Kaspar era el primogénito de uno de los linajes de la familia de los Baden, que intentaron deshacerse de él en una oscura lucha por la soberanía, y que el encierro había sido la única alternativa a la muerte. Nunca se pudo demostrar su verdadera procedencia. Murió asesinado en extrañas circunstancias el 17 de diciembre de 1833. En su lápida puede leerse: “Aquí yace Kaspar Hauser, enigma de su tiempo. Su nacimiento es desconocido. Su muerte, un misterio”

Un solo de danza contemporánea acompañado de música original e interpre­tada en directo al piano y la percusión.
La obra se divide en cinco cuadros cuyos títulos recrean experiencias reales de la biografía de Kaspar Hauser y su propia manera de nombrar­las.
Kaspar Hauser o cómo se baila el primer encuentro con el mundo después de 17 años de sombra y de silencio: mirar­lo todo con los ojos de quien no esperaba ni necesitaba el mundo. Bailar la naturaleza poética y salvaje de lo humano. La experiencia de la identidad como un abismo oscuro que se precipita sin esperanza hacia la muerte: la crisis del tiem­po; el animismo o la convivencia igualitaria con todo lo que existe; el panteísmo como religión original; la certeza de que todo cuanto sucede es real, incluso los sueños.

Desde su nacimiento en 2009, La Phármaco se ha propuesto recuperar el concepto clásico de ceremonia es­cénica: el espectáculo total, donde los elementos expresivos se reúnen y se afinan en una misma tonalidad, comprometi­da con el mensaje. En La Phármaco creemos que la danza no se limita a una cuestión de géneros ni de estilos, su labor es tratar de hacer visible lo que estaba oscuro. Las formas y las dinámicas son siempre inesperadas, originadas en lo profundo y reveladas como secretos donde el alma puede manifestarse y recono­cerse. La danza es un arte culto, que dialoga con las voces fundamentales de nuestra Historia: La Phármaco encuentra en los clásicos de la literatura universal un espejo apropia­do para reflejar nuestra época, al tiempo que reivindica la danza como mecanismo social, humanista.
La ceremonia escénica es necesaria.
La experiencia poética nos enfrenta con las contradicciones de lo humano.
Quien baila nos recuerda que el mundo se está creando todavía.
Entre las creaciones de La Phármaco destacan El libro de los venenos (2009, PREMIO INJUVE y Málaga CREA 2009), El monstruo de las dos espaldas (2010), Antes fue siempre fuego (2012), Sed erosiona (2012), Éxodo: primer día (2013, nominada a los Premios MAX y Premios del Teatro Andaluz por Mejor Espectáculo de Danza y Mejor Intérprete Femeni­na de Danza, seleccionada para el catálogo del AECID 2015) y La voz de nunca (2014, co-producida por la Agencia Andalu­za de Instituciones Culturales, PREMIO MEJOR INTÉRPRETE FEMENINA DE DANZA en los PREMIOS DEL TEATRO ANDALUZ, 2015). Sus trabajos han recibido el apoyo del Centro de Danza Canal, la Agencia Andaluza de Instituciones Cultura­les, INAEM y AECID, y su repertorio continúa en gira dentro y fuera de España (consultar AGENDA en www.lapharmaco.com)
Kaspar Hauser. El Huérfano de Europa, es su última crea­ción. El proyecto ha recibido el apoyo del Centro de Danza Canal, la Comunidad de Madrid y la Secretaría de Cultura del Gobierno de España (Ministerio Educación, Cultura y Deportes).

duración: 50 min.

10-11-12-13 noviembre  20:30h
<<teatro>> ESTRENO ABSOLUTO
//RESIDENCIAS CARME TEATRE 2016//

COLECTIVO ISQUION (València)

texto y dramaturgia ÁLVARO MOLINER
actores JOAN BALLESTER, KIKA GARCELÁN, ÁGUEDA LLORCA y MIGUEL ÁNGEL SWEENEY

Iluminación Diego Sánchez

una creación de Colectivo Isquion

Un nudo cuelga del techo en una casa vacía. Afuera, como todos los días, un montón de gente se agolpa para mirar en silencio. Ese es el horror, o parte del horror. Lo que no se nombra lleva sonando en el ambiente desde hace tiempo, sonidos que se dijeron cuando nadie era capaz de escuchar. Eso es lo peor de todo. De dónde salen esas cuatro personas, por qué una cabeza sobre una bandeja, quién es el dueño del nudo que cuelga del techo en una casa vacía...

Colectivo Isquion
Colectivo surgido alrededor de los estudios de Dirección de Escena de la ESAD de València, unidos por la discusión sobre el fenómeno escénico y performativo desde 2011. Sus componentes vienen de ámbitos diversos, dramaturgos, directores, actores, creadores audiovisuales y artistas plásticos. Álvaro Moliner, Kika Garcelán, Miguel Ángel Sweeney, Águeda Llorca, Joan Ballester y Vicent Domingo, entre otros.
Los componentes del colectivo han seguido trabajando juntos de manera continuada en proyectos con otros nombres en los principales teatros y festivales de la ciudad: tanto en dirección como en interpretación, escenografía y creación audiovisual, poniendo en cuestión los parámetros sobre los que se asienta el proceso discursivo de las artes performativas.

//RESIDENCIAS CARME TEATRE 2016//

24-25-26-27 noviembre  20:30h
<<multidisciplinar>> ESTRENO ABSOLUTO
//RESIDENCIAS CARME TEATRE 2016//

INTANGIBLES GARCÍA (València)

creadores e intérpretes CAROLINA BOLUDA (KABOGUI)_JUAN CALATAYUD_CRISTINA GARCÍA_
CORA MATEU_MILYENCA PAVICIC
iluminación Juan Calatayud
tentativa y coordinación artística CAROLINA BOLUDA (KABOGUI)

Por una belleza que interrumpe… haciéndose.
Por una belleza que interrumpe… la hostilidad.
Por una belleza que interrumpe… el DIY por el DIWO…
Por una belleza que interrumpe… la belleza lista para consumir.
Imágenes políticas y poéticas en disidencia.

//RESIDENCIAS CARME TEATRE 2016//

9-10-11 diciembre  20:30h 
<<danza>> 



UGNE DIEVAITYTE & POLIANA LIMA (Madrid)

concepción, dirección e interpretación Ugne Dievaityte & Poliana Lima

Música Pablo Sánchez Pulido  . Iluminación Pablo Seoane  . Fotografía Bárbara Crosetti  . Material gráfico Denis Forigo  . Vestuario Poliana-Ugne . Video Pau Amengual, Isabella Lima

Sin nombre, sin identidad. El cuerpo y su naturaleza física, sensual. Animalidad y formas oníricas que se pierden y reaparecen, se mezclan y se separan. Lo familiar y lo desconocido en la propia carne viva. Carne en movimiento, cuerpo renegado y reivindicado, espacio de lucha y de conciliación entre lo humano y lo animal.  Un juego con la realidad impalpable, volátil e indefinida que seduce, envuelve e hipnotiza.
Una pieza de danza contemporánea que trae la fisicalidad como centro de su dramaturgia. Construida inicialmente a partir de la investigación de las posibilidades de movimientos de la cabeza (la cabeza como motor de movimiento, como parte aislada, como parte abandonada, la ausencia de la cabeza, la conexión entre dos cabezas, entre dos cuerpos sin cabeza, el apoderarse de la cabeza con las manos, etc.) se ha generado - a partir de la simbología del propio cuerpo y de su movimiento - la dualidad como eje de la obra. La dualidad y la relación entre cuerpo y cabeza, entre dos cuerpos, entre dos seres, la tentativa de unión, el conflicto y la concordia, la tensión y la comodidad. De las pautas corporales trabajadas, han emergido imágenes con el contenido emocional y simbólico que en conjunto se relacionan con control-descontrol, racional-irracional, civilizado-primitivo, humano-animal, dominio-sumisión, identidad y no-identidad.

Poliana Lima (Brasil)
Como bailarina ha formado parte en diversas cias de danza de Sao Paulo (Brasil) como: Borelli cia de dança, Maurício de Oliveira e Siameses cia de dança y PULTS Teatro Coreográfico. Ha asistido a talleres en Cuba en la Escuela de Alicia Alonso y en Danza Contemporánea de Cuba, en Nueva York en el Instituto José Limón y la escuela de verano en PARTS en Bruselas. En Madrid ha colaborado con Camille Hanson, con el espacio Bambúdanza y ha participado en el proyecto Rizoma de la cía Projects in Moviment de Sharon Fridman. Asimismo, ha realizado sus propias creaciones: el solo MUJER-EXPERIMENTO#1 y el solo Palo en la Rueda que ha recibido el segundo premio en el I Certamen de Microdanza (Madrid), ha sido seleccionado para la plataforma de nuevos creadores Gracias X Favor 2012 (Madrid) y para la apertura del V festival Internacional de Danza Contemporánea Miradas al Cuerpo 2012 (Madrid), ganadora del primer premio en el Festival Vila Real en Dansa. Es Como Ver Nubes, obra en coproducción con Ugne Dievaityte, ha sido premiada en el XVI Certamen Coreográfico de Madrid (Premio de Público, Residencia en los teatros de Canal y Tutoría), el 2º premio en el Certamen de Una Pieza, de la Universidad Carlos III y actualmente se está presentando en diversos festivales y teatros, (Festival Dansa Valencia; Festival New Baltic Dance, Vilnius, Lituania; Festival Decorrido, Murcia, ES). XVIII Festival Madrid en Danza en la plataforma Ventana a la Danza Madrileña (2013). Es como ver nubes ha incitado a su nueva creación en conjunto Flesh.En 2013, ha sido seleccionada como una de las artistas representantes de España en el proyecto Europeo Performing Gender.

Ugne Dievaityte (Lituania)
Coreógrafa y bailarina de origen lituano afincada en Madrid. Ugne se ha formado en las técnicas de danza contemporánea y danza-improvisación con maestros de Europa y Estados Unidos: Igor Podsiadly, Rasmus Ölme, Nina Wolhy, Angie Lau, Camille Hanson, Vytis Jankauskas, Birute Letukaite, entre otros, y en danza-terapia con Alexander Girshon. Ha colaborado con diversas compañías y artistas de Lituania, Gran Bretaña y España: Poliana Lima, Camille Hanson, Babirusa danza, Sharon Fridman, Aura, Vytis Jankauskas, Aira Naginaviciute, ARCO collective. La pieza “Es como ver nubes’’ (2012), creada junto a Poliana Lima, ha recibido tres premios en Certamen coreográfico de Madrid XXVI, ha sido premiada con el I premio en festival Dansa Breu II y con el II premio en Certamen DeUnaPieza V y ha sido presentada en varios festivales: New Baltic Dance (Lituania), Dansa Valencia, XVIII Festival Madrid en Danza (la Ventana a la Danza Madrileña), y etc. Es como ver nubes ha incitado su nueva creación en conjunto ‘’Flesh’’, representada en Aerowaves Spring Forward, Schwankhalle Bremen (Alemania), Korzo theater (Holanda), New Baltic dance festival (Lituania), Carme Teatre (España) y premiada en el festival Feedback I (Madrid). ‘’Uninvited presence’’ (2013) ha sido representada en el Korzo Theater (Holanda) y en varios festivales en España y Lituania: New Baltic Dance, AURA + (Lituania), Dansa Breu (Vila-real), DeUnaPieza, Feedback (Madrid), y ha sido premiada con el premio del Jurado en el certamen coreográfico del distrito Tetuán (Madrid).
En 2014 en Arts printing house (Lituania) Ugne estrena ‘’Alkis’’ en colaboración con Rosa Miranda (soprano).
En 2015 dirige e interpreta ‘’Female’’ estrenado en Lituania en el festival New Baltic dance y representada en Óxido Fest II, Centro cultural Paco Rabal (Madrid), Decorrido (Murcia), Bičių sąskrydis, AURA + (Lituania) y ha sido finalista de XX MASDANZA (Islas Canarias). La más reciente “Anhelo”, creada junto a Koke Armero, ha sido la obra finalista del certamen coreográfico de Madrid XXIX y Ugne ha sido premiada con una beca para un coreógrafo en el programa DanceWEB 2016 dentro del festival Impulstanz en Vienna, Austria.

duración: 50 min.

15-16-17-18 diciembre  20:30h
<<danza>> ESTRENO ABSOLUTO
//RESIDENCIAS CARME TEATRE 2016//

TRANSFERMOVE (València)

idea y dirección IRIS PINTOS

coreografía e intérpretes TONI APARISI_CHRISTINE CLOUX_ABEL MARTÍ_IRIS PINTOS

Música Daniel Flors . Físico Carlos Bonilla . Diseño de iluminación y Técnico luz/sonido  Harold Zúñigan . Imagen y grabación María Aparisi

Arte y ciencia de la mano. Ponemos en marcha dos experimentos que buscan llevar a escena la ley de la relatividad y la ley de la conservación de la energía.

Iris Pintos
Estudia Terapia Ocupacional y el Máster Pedagógico en la Universidad de A Coruña. Se traslada a València y termina el Grado Profesional y el Grado Superior en Coreografía e Interpretación en la especialidad de Danza Contemporánea. Gracias a una beca, es aceptada en Codarts (Rotterdam) donde continúa su formación.
En 2013 se inicia como coreógrafa en el Festival Russafa Escènica con la propuesta Blancovacío. Su pieza Mirror obtiene el PRIMER PREMIO EN EL IV CERTAMEN COREOGRÁFICO DELMAR (València, 2013), LazineZZ participa representando a España en el Certamen Internacional de solos de Turín-Italia (2014), obtiene la 3ª posición en la categoría de solos en el IV Certamen de Microdanzas (Madrid) y es seleccionada de entre más de 200 propuestas en el III Certamen 10 sentidos de València (2016). Su pieza Emigrar obtiene el Premio Castillo de las Artes y Premio de la Asociación Terpsícore (Madrid, 2015). En 2015 forma parte de la Compañía de Danza Karine Saporta (París) y es ayudante de dirección en el Taller Coreográfico Moby Dick o los amores imposibles dirigido por Toni Aparisi (Culturarts, València). En 2014, funda con Toni Aparisi la compañía TransferMove.

TransferMove cía de danza- Iris Pintos y Toni Aparisi
Ambos creemos en el arte como forma de denuncia social y de comunicación con el otro. Con esa intención de proponer proyectos con mensaje, cercanos a la sociedad y de buscar la comunicación y la comprensión por parte del público, decidimos comenzar a trabajar juntos. Fruto de esta asociación surgen los siguientes proyectos:
El primer proyecto en el que trabajamos se llama Emigrar (2014), una crítica a la pérdida del valor de la comunicación. Se ha representado en los Teatros del Canal y ha ganado dos premios en el Certamen de Danza del Distrito de Tetuán.
Siguiendo con la comunicación con el público como ingrediente esencial y tratando de acercar la Danza a la gente, surge Dementiae-La folie (2014), proyecto en el que apostamos por el derecho a ser diferente. Participan 15 intérpretes venidos del mundo de la danza y ajenos a él. Ha sido representada en el Festival Internacional de Artes Escénicas Russafa Escénica 2014.
Obligacciones (2014), pieza en la que se invita a la reflexión en relación a las responsabilidades con las que batallamos en la vida, acerca de cuáles son impuestas y cuáles adquiridas. Es un espectáculo interdisciplinar en el que se combinan las artes plásticas, la música flamenca en directo y la danza contemporánea. Se ha representado en la Sala Russafa, La Cartuja del Puig, Teatro Rialto (València), Teatro Echegaray (Málaga) y próximamente estará en el Teatro Galileo de Madrid.
LazineZZ (2014), llega para reflexionar acerca de la actitud ante lo que nos rodea. De qué manera nos enfrentamos a la realidad, qué lucha interna se nos plantea a diario entre la voluntad y la pereza, hacemos lo que podemos o hacemos lo imprescindible? Esta pieza ha representado a España en el I Festival Internacional de Solos de Turín (Italia) y ha participado en el IV Certamen de Microdanzas de Madrid y III Festival 10 Sentidos de Valencia.
Moby Dick. Los falsos amores (2015) es un taller coreográfico encargado por Culturarts y desarrollado en el Teatro Rialto. Se reflexiona acerca de las relaciones humanas y la violencia de género. Solos-En común (2016) es una creación fruto de una Residencia de investigación concedida por Espacio Inestable. Denuncia la falta de solidaridad con el otro y la casi ausencia de responsabilidad como miembros de la sociedad. Qué está por venir? (2016) coreografía seleccionada para el Festival Cabanyal Íntim. Aborda las preocupaciones que consideramos básicas del ser humano: el sustento, la soledad, el amor, el paso del tiempo y la muerte. Moby Dick, el mal amor (2016) en proceso de creación del espectáculo en formato danzateatro. Coproducción con Arden Producciones y la Sala Russafa.

//RESIDENCIAS CARME TEATRE 2016//

22-23 diciembre  20:30h 
<<danza>> ESTRENO VALÈNCIA
Circuito Iberoamericano Red

A POC A POC (México)

idea original y dirección JAIME CAMARENA
dramaturgia José Alberto Gallardo
artistas escénicos EDISEL CRUZ / JOSÉ ORTÍZ

Investigación de movimiento Eduardo Esquivel y Edisel Cruz . Música Bésame mucho de Consuelito Velázquez en versiones de Nat King Cole, The Ventures, Pascal Comelade, Inspector y Chucho Valdéz .  Vestuario Jaime Camarena . Diseño de iluminación Cuauhtémoc Nájera . Escenografía, Arte visual y multimedia Héctor Lara . Mapa sonoro Roberto Cabezas

Beneficiario del programa México en Escena 2013-2015, Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA)

Un  trabajo unipersonal en creación interdisciplinar y tono de comedia que plantea los opuestos de una memoria que todo lo recuerda y otra que tiene la asombrosa capacidad y virtud de olvidarlo todo. Desarrolla una teoría en la cual el pez nunca se aburre en su pecera , porque tiene una memoria de tres segundos , el tiempo que tarda en dar la vuelta a su acuario...ya ha olvidado lo anterior. Entonces para él, es un descubrimiento perpetuo, nuevos horizontes cada vez que da una vuelta en su estanque . Dos personajes en la escena, una curiosa relación de ajedrez y conversaciones, compartiendo hasta el infinito la canción favorita de Euclides. Un pez rojo y El, desnudos frente a frente con sus inquietudes y secretos. Un espacio para reflexionar y reír un poco de nosotros mismos.

Con una trayectoria superior a los 15 años A Poc A Poc se convirtió en una compañía mexicana invitada por varios festivales de mayor reconocimiento en México y el mundo: Seleccionada como integrante del mercado de las artes escénicas de la Association of Performing Arts Presenters de Nueva York; participó en las tres ediciones de Puerta de las Américas, programa que tuvo en la mira presentar a las compañías mexicanas en el mundo; en el 2005 se presentó en Jacob’s Pillow, el festival más antiguo y uno de los más importantes de Estados Unidos; en el 2006 se presentó en el Festival de las Humanidades en Puerto Rico; el Festival Internacional de las Artes de Mérida; el Festival Extremadura en la ciudad de Monterrey; el Festival Internacional de Danza Contemporánea Lila López en San Luis Potosí; el Festival Internacional de Puebla; el festival Caliendanza en Cali, Colombia; en el XXXVI Festival Internacional Cervantino y el Festival EXCHANGE en Alcobaza, Portugal; Festival Internacional de Manizales, Colombia; II Festival Internacional de Danza Contemporánea de San Salvador, entre otros. Como resultado de este trabajo; se ha logrado la conformación de un cuerpo de bailarines de alto desempeño, así como la creación del repertorio sobre el que se ha constituido el prestigio que sitúa a A Poc A Poc dentro de los grupos más representativos de la danza contemporánea mexicana. De 2007 a la fecha, A Poc A Poc recibe por parte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, el apoyo para grupos México en Escena, el cual se otorga a agrupaciones de excelencia y busca fomentar la creación independiente en nuestro país.

duración: 50 min.
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